Kaip veikė Heian Era japonų klanai? (pvz., „Taira“ ir „Minamoto“)

Kaip veikė Heian Era japonų klanai? (pvz., „Taira“ ir „Minamoto“)


We are searching data for your request:

Forums and discussions:
Manuals and reference books:
Data from registers:
Wait the end of the search in all databases.
Upon completion, a link will appear to access the found materials.

Vikipedija man sako, kad Heiano laikotarpiu kai kurie imperatorių vaikai buvo pažeminti (pašalinti iš karališkosios giminės) ir paskirti į Taira, taip pat Minamoto „klanai“.

Kaip tai pavyko?

  1. Ar buvo specialus pagrindas priskirti žmones vienam prie kito?
  2. Ar klanai turėjo būti svarbiausias jų narių socialinis identitetas?
  3. Ar jie teikė/reikalavo specialių paslaugų?
  4. Kaip kartų komponentas (pvz., Saga prieš Seiwa Genji) paveikė situaciją? Pavyzdžiui, ar Saga ir Seiwa Genji abu yra Minamoto ir todėl labiau linkę bendradarbiauti tarpusavyje nei su kitais klanais?

Gempei karas

Gion shôja no kane no koe, shogyô mujô no hibiki ari. Shara sôju no hana no iro, shôsha hissui no koto wari wo arawasu. Ogoreru hito mo hisashikarazu, tada haru no yoru no yume no gotoshi. Takeki mono mo tsui ni horobinu, hitoe ni kaze no mae no akuta ni onaji.
Gion Shôja šventyklos varpų skambesys atkartoja visų dalykų nepastovumą, salų gėlių spalva atskleidžia tiesą, kad klestėti reiškia kristi. Išdidieji pagaliau neatlaiko galingo kritimo, kad būtų tik dulkės prieš vėją.

  • Datos: 1180-1185
  • Kovotojai: Minamoto klanas (ir jo sąjungininkai) prieš Taira klaną (ir sąjungininkus)
  • Rezultatas: „Minamoto“ pergalė „Taira“ klanas iš esmės išnyko
  • Japonų: 源 平 合 戦 („Genpei kassen“)

Genpei karas, kuris tarp Minamoto ir Taira samurajų klanų vyko 1180-1185 m., Reiškia, kad Tairai priklausančio imperatoriškojo teismo valdžia baigėsi, o netrukus po to buvo įsteigtas Kamakuros šiogunatas. Taira ir Minamoto pakilimas, Heiano laikotarpio pabaiga ir Kamakuros laikotarpio pradžia, riba tarp klasikinio aristokratų/teismo valdymo laikotarpio ir viduramžių samurajų valdymo laikotarpio.

Karas gavo savo pavadinimą iš on-yomi arba „kiniško stiliaus“ dviejų klanų pavadinimų skaitymai - Genji ir Heike (arba Heishi), atitinkamai reiškiantys „Minamoto klanas“ ir „Taira namas“ (arba „Taira klanas“).

Karo įvykiai buvo labiausiai papasakoti epe „Heike“ pasaka, kurį kaip žodinę tradiciją keliaujantys muzikantai pasakotojai kurį laiką perdavė, kol pirmą kartą buvo užrašyti 1371 m. Šiomis istorijomis remiasi daugybė Noh, Kabuki ir lėlių pjesių, taip pat daugybė paveikslų ir kitų kultūrinių kūrinių, kurie išaugo į legendą.


Turinys

Jōmon art Redaguoti

Pirmieji Japonijos naujakuriai buvo Džmono žmonės (apie 10 500-apie 300 m. Pr. M. E.) [3], pavadinti dėl jų molinių indų paviršius puošiančių virvelių ženklų, buvo klajokliai medžiotojai-rinkėjai, kurie vėliau praktikavo organizuotą ūkininkavimą ir kūrė miestus. su šimtais, jei ne tūkstančiais gyventojų. Jie pastatė paprastus medinius ir šiaudinius namus į seklias žemiškas duobes, kad suteiktų šilumą iš dirvožemio. Jie gamino ištaigingai dekoruotus keramikos indus, molio figūrėles dogūir krištolo brangenybės.

Ankstyvasis Jōmono laikotarpis Redaguoti

Ankstyvuoju Džono laikotarpiu (5000–2500 m. Pr. M. E.) [3] buvo pradėti atrasti kaimai ir rasta įprastų kasdienių daiktų, pavyzdžiui, keraminių puodų, skirtų verdančiam vandeniui. Puodai, kurie buvo rasti per tą laiką, turėjo plokščią dugną ir buvo įmantraus dizaino, pagaminti iš tokių medžiagų kaip bambukas. Be to, dar vienas svarbus atradimas buvo ankstyvosios „Jōmon“ figūrėlės, kurios galėjo būti naudojamos kaip vaisingumo objektai dėl jų eksponuotų krūtų ir patinusių klubų. [3]

Vidurinis Joono periodas Redaguoti

Vidurinis Joono periodas (2500–1500 m. Pr. M. E.) [3] daugeliu atžvilgių priešinosi ankstyvojo Jomono laikotarpiui. Šie žmonės tapo mažiau klajokliški ir pradėjo gyventi kaimuose. Jie sukūrė naudingus įrankius, galinčius apdoroti surinktą ir sumedžiotą maistą, o tai jiems palengvino gyvenimą. Per daugybę estetiškai patrauklios keramikos, kuri buvo rasta šiuo laikotarpiu, akivaizdu, kad šie žmonės turėjo stabilią ekonomiką ir daugiau laisvalaikio, kad sukurtų gražius kūrinius. Be to, Vidurio Džono laikotarpio žmonės skyrėsi nuo ankstesnių protėvių, nes jie sukūrė indus pagal savo funkciją, pavyzdžiui, gamino puodus daiktams laikyti. [3] Šių indų dekoracijos pradėjo atrodyti tikroviškesnės nei ankstyvoji Jōmon keramika. Apskritai kūrinių gamyba šiuo laikotarpiu ne tik padidėjo, bet ir pavertė juos dekoratyvesniais bei natūralistiškesniais. [3]

Vėlyvas ir galutinis Jōmon periodas Redaguoti

Vėlyvojo ir paskutiniojo Džomono laikotarpiu (1500–300 m. Pr. M. E.) [3] orai pradėjo vėsti, todėl jie buvo priversti tolti nuo kalnų. Pagrindinis maisto šaltinis per tą laiką buvo žuvis, todėl jos pagerino savo žūklės atsargas ir įrankius. Ši pažanga buvo labai svarbus pasiekimas per tą laiką. Be to, laivų skaičius išaugo, o tai galėjo padaryti išvadą, kad kiekvienas namas turėjo savo figūrėlę. Nors vėlyvojo ir paskutiniojo Džono periodo metu buvo rasta įvairių indų, šie daiktai buvo apgadinti, o tai gali reikšti, kad jie juos naudojo ritualams. Be to, figūrėlės taip pat buvo rastos ir pasižymėjo mėsingu kūnu bei akimis kaip akys. [3]

Dogū („molinė figūra“) yra mažos humanoidinės ir gyvūninės figūrėlės, pagamintos vėlesniame Džono laikotarpyje. [4] Jie buvo pagaminti visoje Japonijoje, išskyrus Okinavą. [4] Kai kurie mokslininkai teigia, kad dogū veikė kaip žmonių vaizdai, kurie išreiškė tam tikrą simpatinę magiją. [5] Dogū yra pagaminti iš molio ir yra nedideli, paprastai 10–30 cm aukščio. [6] Atrodo, kad dauguma figūrėlių yra modeliuotos kaip moterys ir turi dideles akis, mažą juosmenį ir plačius klubus. [4] Daugelis mano, kad jie yra deivių atstovai. Daugelis turi dideles pilvas, susijusias su nėštumu, ir tai rodo, kad Jomonas jas laikė deivėmis motinomis. [6]

Yayoi menas Redaguoti

Kita imigrantų banga buvo Yayoi žmonės, pavadinti pagal Tokijo rajoną, kuriame pirmiausia buvo rastos jų gyvenviečių liekanos. Šie žmonės, atvykę į Japoniją apie 300 m. Pr. M. E. [7], atnešė žinių apie pelkėtus ryžius, varinių ginklų ir bronzinių varpų gamybą.dōtaku), ir ratais mėtoma, krosnyje kūrenama keramika.

Yayoi laikotarpio dōtaku varpas, III a

Bronzinis veidrodis iškastas Tsubai-otsukayama kofun, Yamashiro, Kioto

Karmainis stiklainis iš Yayoi laikotarpio

Yayoi laikymo indelis nuo 500 m. Pr. Kr. Iki 200 m

Kofun art Redaguoti

Trečiasis Japonijos priešistorės etapas, Kofuno laikotarpis (apie 300–710 m. Po mūsų eros) [3], yra jaijo kultūros modifikacija, priskiriama arba vidinei raidai, arba išorinei jėgai. Šis laikotarpis labiausiai žinomas dėl savo kapo kultūros ir kitų artefaktų, tokių kaip bronziniai veidrodžiai ir molio skulptūros haniwa kurie buvo pastatyti už šių kapų ribų. Per visą Kofuno laikotarpį šių kapų savybės vystėsi nuo mažesnių kapų, pastatytų ant kalvų viršūnių ir keterų, iki daug didesnių kapų, pastatytų ant plokščios žemės. [8] Didžiausiame Japonijos kape, imperatoriaus Nintoku kapavietėje, yra 46 pilkapiai ir jis yra tarsi rakto skylutė, [9] kuri yra būdinga vėlesniems Kofuno kapams. [8]

Asuka ir Nara art Redaguoti

Asuka ir Nara laikotarpiais, taip pavadintais dėl to, kad Japonijos vyriausybės būstinė buvo Asukos slėnyje nuo 542 iki 645 [3] ir Naros mieste iki 784 m., Japonijoje įvyko pirmasis reikšmingas kontinentinės Azijos kultūros antplūdis.

Budizmo perdavimas suteikė pradinį impulsą Kinijos ir Japonijos kontaktams. Japonai pripažino kinų kultūros bruožus, kuriuos galima pelningai įtraukti į savo: sistemą, skirtą idėjoms ir garsams paversti raštu istoriografijos sudėtingomis valdžios teorijomis, tokiomis kaip veiksminga biurokratija ir, svarbiausia menui, naujos technologijos, naujas pastatas technikos, pažangesni liejimo į bronzą metodai ir naujos tapybos technikos bei laikmenos.

Vis dėlto VII ir VIII amžiuose didžiausias Japonijos ir Azijos žemyno kontaktų dėmesys buvo skiriamas budizmo plėtrai. Ne visi mokslininkai sutaria dėl reikšmingų datų ir tinkamų pavadinimų, skirtų įvairiems laikotarpiams nuo 552 m., Oficialios budizmo įvedimo į Japoniją datos, iki 784 m., Kai Japonijos sostinė buvo perkelta iš Nara. Dažniausi pavadinimai yra Suiko laikotarpis, 552–645 Hakuhō laikotarpis, 645–710 ir Tenpyō laikotarpis, 710–784 m.

Pagoda ir Kondō Hōryū-ji, 8 a

Ankstyviausios japoniškos Budos skulptūros datuojamos VI ir VII a. [10] Galiausiai jie kildinami iš I – III amžiaus mūsų laikų graikų-budistų Gandharos meno, kuriam būdingi besiplečiantys aprangos modeliai ir tikroviškas atvaizdavimas [11], ant kurio buvo išdėstyti kinų meniniai bruožai. Po to, kai į Korėjos pusiasalį įsiskverbė Kinijos Šiaurės Vei budizmo menas, į Japoniją įvairias imigrantų grupes atvežė budistų piktogramas. [12] Ypač pusiau sėdinti Maitrėjos forma buvo pritaikyta prie labai išplėtoto senovės graikų meno stiliaus, kuris buvo perduotas Japonijai, kaip rodo Kōryū-ji Miroku Bosatsu ir Chūgū-ji Siddhartha statulos. [13] Daugelis istorikų Korėją vaizduoja tik kaip budizmo perteikėją. [14] Trys karalystės, ypač Baekjė, 538 ar 552 m. Aktyviai prisidėjo prie budizmo tradicijos įvedimo ir formavimo Japonijoje. [15] Jos iliustruoja Šilko kelio meno perdavimo galutinį tašką per pirmąjį kelis mūsų eros šimtmečius. Kitus pavyzdžius galima rasti plėtojant japonų Fūjin vėjo dievo, [16] Niō globėjų [17] ikonografiją ir beveik klasikinius šventyklos dekoracijų gėlių raštus. [18]

Ankstyviausios budistinės struktūros vis dar egzistuoja Japonijoje, o seniausi mediniai pastatai Tolimuosiuose Rytuose yra Hōryū-ji į pietvakarius nuo Nara. Pirmą kartą pastatyta 7 -ojo amžiaus pradžioje kaip privati ​​sosto įpėdinio princo Shōtoku šventykla, kurią sudaro 41 nepriklausomas pastatas. Svarbiausi, pagrindinė pamaldų salė, arba Kondō (Auksinė salė) ir Gojū-no-tō (Penkių aukštų pagoda), stovėkite atviros zonos centre, apsuptame dengtu vienuolynu. The Kondō, pagal kinų garbinimo salių stilių, yra dviejų aukštų pastato po sijų konstrukcija, uždengta irimoya, arba keramikinių čerpių stogas su dvišlaičiu dvišlaičiu stogu.

Viduje Kondō, ant didelės stačiakampės platformos, yra keletas svarbiausių to laikotarpio skulptūrų. Centrinis vaizdas yra Šaka Trejybė (623 m.), Istorinis Buda, šalia kurio yra dvi bodhisatvos, skulptoriaus Tori Busshi (suklestėjo 7 -ojo amžiaus pradžioje) skulptūra, įlieta į bronzą, pagerbiant neseniai mirusį princą Shōtoku. Keturiuose platformos kampuose yra keturių krypčių sargybiniai, išraižyti medyje apie 650. Taip pat Hōryū-ji yra Tamamushi šventovė, medinė kopija. Kondō, pastatytas ant aukšto medinio pagrindo, kurį puošia figūriniai paveikslai, pagaminti iš mineralinių pigmentų terpės, sumaišytos su laku.

Šventyklos statyba VIII amžiuje buvo sutelkta aplink Tōdai-ji Nara. Tōdaiji, pastatytas kaip šventyklų tinklo būstinė kiekvienoje provincijoje, yra ambicingiausias religinis kompleksas, pastatytas pirmaisiais budistų garbinimo Japonijoje amžiais. Tinkamai, 16,2 m (53 pėdų) Buda (užbaigtas 752 m.), Įtvirtintas pagrindinėje Budos salėje, arba Daibutsuden, yra Rushanos Buda, figūra, vaizduojanti Budos esmę, kaip ir Tōdaiji atstovavo Imperatoriškai remiamo budizmo ir jo sklaidos visoje Japonijoje centrui. Išliko tik keletas originalios statulos fragmentų, o dabartinė salė ir centrinis Buda yra Edo laikotarpio rekonstrukcijos.

Aplink Daibutsuden ant švelniai nuožulnios kalvos šlaito yra keletas antrinių salių: Hokke-dō („Lotus Sutra Hall“), kurio pagrindinis įvaizdis - „Fukukenjaku Kannon“ (不 空 羂 索 観 立 像, populiariausia bodhisatva), pagamintas iš sauso lako (audinio, įmirkyto laku ir suformuoto per medinę armatūrą) Kaidaninas (戒壇 院, Ordinacijų salė) su nuostabiomis molio statulomis iš Keturių globėjų karalių ir sandėliu, vadinamu Shōsōin. Ši paskutinė struktūra yra labai svarbi kaip meno istorinė talpykla, nes joje saugomi indai, naudojami 752 m. Šventyklos įšventinimo ceremonijoje, Rushanos įvaizdžio atvėrimo ritualas, taip pat vyriausybės dokumentai ir daugybė pasauliečių imperatoriškosios šeimos valdomus objektus.

Choukinas (arba chōkin), metalo graviravimo ar skulptūros menas, manoma, prasidėjo Nara laikotarpiu. [19] [20]

Heian menas Redaguoti

794 m. Japonijos sostinė buvo oficialiai perkelta į Heian-kyō (dabartinį Kiotą), kur ji išliko iki 1868 m. Heiano laikotarpis nurodo metus nuo 794 iki 1185 m., kai Genpei karo pabaigoje buvo įkurtas Kamakuros šiogunatas. Šis laikotarpis dar skirstomas į ankstyvąją Heian ir vėlyvąją Heian, arba Fujiwara erą, o pagrindinė data yra 894 m., Metai, kai imperijos ambasados ​​Kinijoje buvo oficialiai nutrauktos.

Ankstyvasis Heiano menas: Reaguodamas į didėjančius organizuoto budizmo turtus ir galią Nara, kunigas Kūkai (geriausiai žinomas pagal savo pomirtinį titulą Kōbō Daishi, 774–835) išvyko į Kiniją studijuoti Šingono, vadžrajanos budizmo, kurį jis pristatė Japonijoje. 806. Šingono garbinimo pagrindas yra mandalos, dvasinės visatos diagramos, kurios tada pradėjo daryti įtaką šventyklos dizainui. Japonų budistų architektūra kinų stiliaus pagodoje taip pat priėmė stupą, iš pradžių indišką architektūros formą.

Šiai naujai sektai pastatytos šventyklos buvo pastatytos kalnuose, toli nuo Teismo ir sostinės pasauliečių. Netaisyklinga šių vietų topografija privertė japonų architektus permąstyti šventyklų statybos problemas ir taip pasirinkti vietinius dizaino elementus. Kiparisinės žievės stogai pakeitė keraminių čerpių stogus, vietoj molinių grindų buvo naudojamos medinės lentos, o priešais pagrindinę šventovę buvo pridėta atskira pasauliečių garbinimo vieta.

Šventykla, geriausiai atspindinti ankstyvųjų Heian Shingon šventyklų dvasią, yra Murō-ji (9 a. Pradžia), esanti giliai kiparisų medyje ant kalno į pietryčius nuo Nara. Medinis Šakjamuni, „istorinio“ Budos, atvaizdas, įtvirtintas antrajame pastate Murō-ji, yra būdingas ankstyvosios Heian skulptūrai, jos kūnas yra padengtas storomis užuolaidų raukšlėmis. honpa-shiki (riedančios bangos) stilius ir jo griežta, atitraukta veido išraiška.

Fujiwara menas: Fujiwara laikotarpiu išpopuliarėjo Grynosios žemės budizmas, kuris pasiūlė lengvą išsigelbėjimą per tikėjimą Amida (Vakarų rojaus Buda). Šis laikotarpis yra pavadintas Fujiwara šeimos, tuomet galingiausios šalyje, valdžiusios kaip imperatoriaus regentės, iš tikrųjų tapusios pilietiniais diktatoriais, garbei. Tuo pat metu Kioto aukštuomenė sukūrė visuomenę, skirtą elegantiškiems estetiniams siekiams. Jų pasaulis buvo toks saugus ir gražus, kad jie negalėjo įsivaizduoti rojaus kaip daug kitokio. Jie sukūrė naują Budos salės formą - „Amida“ salę, kurioje pasaulietiškas susilieja su religine ir kurioje yra vienas ar daugiau Budos atvaizdų struktūroje, primenančioje bajorų dvarus.

The Hō-ō-dō (Phoenix Hall, baigta 1053 m.) Byōdō-in, šventykla Uji į pietryčius nuo Kioto, yra Fujiwara Amida salių pavyzdys. Jį sudaro pagrindinė stačiakampė konstrukcija, kurią supa du L formos sparnų koridoriai ir uodegos koridorius, esantis didelio dirbtinio tvenkinio pakraštyje. Viduje ant aukstos platformos sumontuotas vienas auksinis Amidos atvaizdas (apie 1053 m.). Amidos skulptūrą atliko Jōchō, kuris panaudojo naują proporcijų kanoną ir naują techniką (yosegi), kurioje keli medžio gabalai yra iškirpti kaip kriauklės ir sujungiami iš vidaus. Salės sienoms pritaikyti nedideli reljefiniai raižiniai iš dangaus, šeimininkas, kaip manoma, lydėjo Amidą, kai jis nusileido iš Vakarų rojaus, kad mirties akimirką surinktų tikinčiųjų sielas ir lotoso žiedais nuvežtų į Rojų. Raigō paveikslai ant medinių „Hō-ō-dō“ durų, vaizduojantys Amidos Budos nusileidimą, yra ankstyvas „Yamato-e“, japoniško stiliaus tapybos pavyzdys, juose yra vaizdai apie Kioto kraštovaizdį.

E-maki: Paskutiniame Heiano laikotarpio amžiuje horizontalus, iliustruotas pasakojimo rankraštis, žinomas kaip e-maki (絵 巻, liet. „Paveikslėlio slinktis“), išryškėjo. Pasimatymai apie 1130 m Genji Monogatari Emaki, garsus iliustruotas Pasaka apie Genji yra ankstyviausias išlikęs „yamato-e“ rankraštis ir vienas iš aukščiausių japonų tapybos taškų. Apie 1000-uosius metus parašytas imperatorės Shōshi laukiančios moters Murasaki Shikibu, romanas pasakoja apie Genji gyvenimą ir meilę bei Heiano teismo pasaulį po jo mirties. XII amžiaus menininkai e-maki versija sukūrė vaizdinių susitarimų sistemą, kuri vizualiai perteikia emocinį kiekvienos scenos turinį. Antroje amžiaus pusėje išpopuliarėjo kitoks, gyvesnis nenutrūkstamo pasakojimo iliustravimo stilius. The Ban Dainagon Ekotoba (XII a. pab.), ritinys, kuriame nagrinėjama intriga teisme, pabrėžia aktyvaus judesio figūras, pavaizduotas greitai atliekamais teptuko potėpiais ir plonomis, bet ryškiomis spalvomis.

E-maki taip pat yra vieni iš ankstyviausių ir didžiausių pavyzdžių otoko-e („vyrų nuotraukos“) ir onna-e („moterų paveikslai“) tapybos stiliai. Abiejuose stiliuose yra daug puikių skirtumų, apeliuojančių į estetines lyčių nuostatas. Tačiau turbūt lengviausiai pastebimi temų skirtumai. Onna-e, kurį įkūnija „Tale of Genji“ rankraštis, paprastai susijęs su teismo gyvenimu, ypač teismo damomis, ir romantiškomis temomis. Otoko-e dažnai fiksavo istorinius įvykius, ypač mūšius. Sanjō rūmų apgultis (1160 m.), Pavaizduota Heiji Monogatari rankraščio skyriuje „Naktinis išpuolis prieš Sanjō rūmus“, yra garsus šio stiliaus pavyzdys.

Kamakura menas Redaguoti

1180 m. Prasidėjo karas tarp dviejų galingiausių karių klanų: „Taira“ ir „Minamoto“, po penkerių metų „Minamoto“ iškovojo pergalę ir įsteigė de facto vyriausybės būstinę pajūrio Kamakuros kaime, kur jis išliko iki 1333 m. perkėlus valdžią iš bajorų į karių klasę, menas turėjo patenkinti naują auditoriją: žmones, atsidavusius karo įgūdžiams, kunigus, pasiryžusius padaryti budizmą prieinamus neraštingiems paprastiems žmonėms, ir konservatorius, bajorus ir kai kuriuos kunigystės narius. apgailestavo dėl mažėjančios teismo galios. Taigi, realizmas, populiarinanti tendencija ir klasikinis atgimimas apibūdina Kamakuros laikotarpio meną. Kamakuros laikotarpiu Kiotas ir Nara išliko meninės gamybos ir aukštos kultūros centrais.

Skulptūra: Kei skulptorių mokykla, ypač Unkei, sukūrė naują, tikroviškesnį skulptūros stilių. Du Niō globėjo atvaizdai (1203 m.) Didžiuosiuose pietiniuose Tado-ji vartuose Nara iliustruoja dinamišką Unkei suprarealistinį stilių. Vaizdai, maždaug 8 m (apie 26 pėdų) aukščio, buvo išraižyti iš kelių blokų maždaug per tris mėnesius - tai žygdarbis, rodantis išvystytą amatininkų, dirbančių vadovaujant skulptoriui, studijos sistemą. Unkei polichromuotos medžio skulptūros (1208 m., Kōfuku-ji, Nara), sudarytos iš dviejų Indijos išminčių, Muchaku ir Seshin, legendinių Hossō sektos įkūrėjų, yra vieni iš labiausiai atliktų realistinių Unkei pateiktų to laikotarpio darbų, jie yra nepaprastai individualizuoti ir patikimi vaizdai. Vienas garsiausių šio laikotarpio kūrinių yra „Amitabha Triad“ (baigtas 1195 m.), Jōdo-ji mieste Ono, sukurtas Kaikei, Unkei įpėdinio.

Kaligrafija ir tapyba: The Kegonas Engi Emaki, iliustruota Kegono sektos įkūrimo istorija, yra puikus Kamakuros tapybos populiarinimo tendencijos pavyzdys. Kegono sekta, viena svarbiausių Naros laikotarpiu, išgyveno sunkius laikus, kai išaugo grynosios žemės sektos. Po Genpei karo (1180–1185) Kōzan-ji kunigas Myōe siekė atgaivinti sektą ir taip pat suteikti prieglobstį karo našlėms moterims. Samurajų žmonos buvo atgrasomos mokytis daugiau nei skiemenų garsų ir idėjų perrašymo sistemos (žr. Kana), o dauguma nesugebėjo skaityti tekstų, kuriuose buvo naudojami kinų ideografai (kanji).

Taigi, Kegonas Engi Emaki Sujungia teksto ištraukas, parašytas daugiausiai lengvai skaitomų skiemenų, ir iliustracijas, kuriose yra dialogas tarp simbolių, parašytų šalia garsiakalbių. Siužetas e-makiDviejų Korėjos kunigų, įkūrusių Kegono sektą, gyvenimas yra greitas ir kupinas fantastiškų žygdarbių, tokių kaip kelionė į Okeanijos karaliaus rūmus, ir skaudi mamos istorija. [ reikalingas paaiškinimas ]

Konservatyvesnis darbas yra iliustruota Murasaki Shikibu dienoraščio versija. E-maki jos romano versijos ir toliau buvo kuriamos, tačiau aukštuomenė, prisiderinusi prie naujo susidomėjimo realizmu, tačiau nostalgiška praėjusioms turtų ir valdžios dienoms, atgaivino ir iliustravo dienoraštį, norėdama atgauti autoriaus laikų spindesį. Viena gražiausių ištraukų iliustruoja epizodą, kuriame Murasaki Shikibu savo kambaryje žaismingai laiko nelaisvėje du jauni dvariškiai, o visai lauke mėnulio šviesa žvilga ant samanotų upelio upės krantų imperijos sode.

Muromachi menas Redaguoti

Muromachi laikotarpiu (1338–1573), dar vadinamu Ašikagos periodu, Japonijos kultūroje įvyko esminių pokyčių. Ašikagų klanas perėmė šogunato valdžią ir perkėlė savo būstinę atgal į Kiotą, į miesto Muromachi rajoną. Sugrįžus vyriausybei į sostinę, Kamakuros laikotarpio populiarinančios tendencijos baigėsi, o kultūrinė raiška įgavo aristokratiškesnį, elitiškesnį pobūdį. Dzenbudizmas, Ch'an sekta, tradiciškai manoma, kad buvo įkurta Kinijoje VI amžiuje, antrą kartą buvo įvesta į Japoniją ir įsitvirtino.

Tapyba: Dėl pasaulietinių įmonių ir prekybos misijų Kinijoje, kurias organizavo zen šventyklos, daugelis kinų paveikslų ir meno objektų buvo importuoti į Japoniją ir padarė didelę įtaką japonų menininkams, dirbantiems zen zen šventyklose ir šiogunatuose. Šis importas ne tik pakeitė tapybos temą, bet ir pakeitė spalvų naudojimą-ryškias „Yamato-e“ spalvas, gautas kinų tapybos monochromuose, kur paveikslai paprastai būna tik nespalvoti arba skirtingų atspalvių. viena spalva.

Ankstyvai Muromachi tapybai būdinga tai, kad kunigas dailininkas Kao (aktyvus XV a. Pradžia) vaizduoja legendinį vienuolį Kensu (kinų kalba-Hsien-tzu) tuo metu, kai jis pasiekė nušvitimą. Šio tipo tapyba buvo atlikta greitu teptuko potėpiu ir minimaliomis detalėmis. Šamo gaudymas su moliūgu (XV a. pradžia, Taizō-in, Myōshin-ji, Kioto), kunigo tapytojo Josetsu (aktyvus apie 1400 m.) žymi lūžio tašką Muromachi tapyboje. Iš pradžių sukurtas žemai stovinčiam ekranui, jis buvo sumontuotas kaip kabantis ritinys su aukščiau esančių šiuolaikinių figūrų užrašais, iš kurių vienas nurodo paveikslą kaip „naujo stiliaus“. Pirmame plane ant upelio kranto pavaizduotas žmogus, kuris laiko mažą moliūgą ir žiūri į didelį šliaužiančią šamą. Rūkas užpildo vidurį, o fono kalnai atrodo toli. Paprastai manoma, kad apie 1413 m. Sukurtas paveikslo „naujas stilius“ reiškia labiau kinišką gilios erdvės pojūtį paveikslo plokštumoje.

Žymiausi Muromachi laikotarpio menininkai yra kunigai dailininkai Šūbunas ir Sesshū. Shūbun, vienuolis Kioto Shōkoku-ji šventykloje, sukurtas paveiksle Skaitymas Bambuko giraitėje (1446) - tikroviškas kraštovaizdis su giliu nuosmukiu į kosmosą. Sesshū, skirtingai nei dauguma to laikotarpio menininkų, galėjo keliauti į Kiniją ir studijuoti kinų tapybą jos šaltinyje. Keturių metų laikų peizažas (Sansui Chokan c. 1486) yra vienas iš sėkmingiausių Sesshu darbų, vaizduojantis besitęsiantį kraštovaizdį per keturis sezonus.

Azuchi-Momoyama menas Redaguoti

Azuchi – Momoyama laikotarpiu (1573–1603) kariniai lyderiai, tokie kaip Oda Nobunaga, Toyotomi Hideyoshi ir Tokugawa Ieyasu, po beveik 100 metų karo eros bandė įvesti taiką ir politinį stabilumą Japonijoje. Oda, nepilnametis vadas, 1568 m. Įgijo pakankamai valdžios, kad galėtų de facto perimti vyriausybės kontrolę ir po penkerių metų išstumti paskutinį Ashikaga shōgun. Hideyoshi perėmė vadovavimą po Odos mirties, tačiau jo planus įtvirtinti paveldimą valdžią sužlugdė Ieyasu, 1603 m. Įkūręs Tokugavos šiogunatą.

Tapyba: Svarbiausia Momoyama laikotarpio tapybos mokykla buvo Kanō mokykla, o didžiausia to laikotarpio naujovė buvo Kanō Eitoku sukurta formulė, skirta sukurti monumentalius kraštovaizdžius ant kambarį gaubiančių stumdomų durų. Pagrindinio kambario apdaila, nukreipta į „Jukō-in“ sodą, Daitoku-ji (dzen šventykla Kiote), yra galbūt geriausias išlikęs Eitoku darbo pavyzdys. Masyvi ume medžiai ir pušys dvynės pavaizduotos ant stumdomų ekranų porų įstrižai priešinguose kampuose, jų kamienai kartoja kampinių stulpų vertikalę, o jų šakos tęsiasi į kairę ir į dešinę, sujungdamos gretimas plokštes. „Eitoku“ ekranas, Kinijos liūtai, taip pat Kiote, atskleidžia drąsų, ryškių spalvų tapybos stilių, kuriam patinka samurajai.

„Eitoku“ amžininkas Hasegawa Tōhaku sukūrė šiek tiek kitokį ir dekoratyvesnį didelio masto ekrano paveikslų stilių. Jo Klevo ekranas (楓 図), dabar Chishaku-in šventykloje (ja: 智 積 院), Kiote, jis pastatė medžio kamieną į centrą ir ištiesė galūnes beveik iki kompozicijos krašto, sukurdamas plokštesnį, mažiau architektoninį darbas nei Eitoku, bet vizualiai spalvingas paveikslas. Jo šešių kartų ekranas, Pušies mediena (松林 図), yra meistriškai perteikiamas monochrominiu rašalu medžių giraites, apgaubtas rūko.

Edo laikotarpio menas Redaguoti

Tokugavos šiogunatas 1603 m. Įgijo neginčijamą vyriausybės kontrolę, įsipareigodamas užtikrinti taiką ir ekonominį bei politinį stabilumą šalyje. Šiogunatas išgyveno iki 1867 m., Kai buvo priverstas kapituliuoti, nes nesugebėjo susidoroti su Vakarų šalių spaudimu atverti šalį užsienio prekybai. Viena iš dominuojančių Edo laikotarpio temų buvo represinė šiogunato politika ir menininkų bandymai išvengti šių suvaržymų. Svarbiausias iš jų buvo šalies uždarymas užsieniečiams ir jų kultūra, taip pat griežtų elgesio kodeksų įvedimas, turintis įtakos visiems gyvenimo aspektams, drabužiams, apsirengusiems, vedusiems asmenims ir veiklai, kurią galima ar reikia daryti. nesivaikyti.

Tačiau ankstyvaisiais Edo laikotarpio metais visiškas Tokugavos politikos poveikis dar nebuvo juntamas, o kai kurios Japonijos architektūros ir tapybos išraiškos buvo pagamintos: Katsura rūmai Kiote ir Tawaraya Sōtatsu, jos pradininko, paveikslai. Rinpos mokykla.

Medžio drožlių spausdinimas: Medžio drožlių atspaudai iš pradžių buvo naudojami versti budistų raštus aštuntajame amžiuje Japonijoje. Medžio drožlių spausdinimą sudaro vaizdų ar paveikslų graviravimas ant medžio gabalo, kuris vėliau prispaudžiamas prie popieriaus lapo. Aštuntajame amžiuje medžio drožlės buvo laikomos patogiu atspausdinto teksto atgaminimo būdu, kol tolimesnės naujovės leido spalvas išversti į popierių arba geriau žinomas kaip „Nishik-e“ spaudiniai. Medžio blokų spausdinimas buvo įprastas spausdinimo būdas nuo XI a. Iki XIX a. „Nishiki-e“ spaudiniuose buvo gaminamos tokios prekės kaip kalendoriai, kurie Edo laikotarpiu paprastai buvo parduodami turtingiems visuomenės nariams. Edo laikotarpiu šie atspaudai buvo vaizduojami žinomų aktorių įvykiai ir scenos. Tada Ukiyo buvo susijęs su medžio spausdinimu ankstyvuoju Edo laikotarpiu. Šie Ukiyo paveikslai vaizdavo iškilių visuomenės narių kasdienį gyvenimą. „Ukiyo“ pirmą kartą pradėjo savo rankomis suformuotus ritinius, vaizduojančius įprastą paprastą gyvenimą.

Architektūra: Katsura atskiruose rūmuose, pastatytuose imituojant Genji rūmus, yra daugybė pastatų, kuriuose klasikinės japonų architektūros elementai derinami su novatoriškais pertvarkymais. Visą kompleksą supa gražus sodas su takais pėsčiomis. Daugelis galingų daimyōs (feodalai) šalies teritorijoje pastatė „Circuit“ stiliaus japonišką sodą ir varžėsi dėl grožio.

Tapyba: Sōtatsu sukūrė puikų dekoratyvinį stilių, iš naujo kurdamas klasikinės literatūros temas, panaudodamas ryškiaspalves figūras ir gamtos pasaulio motyvus aukso lapų fone. Vienas geriausių jo darbų yra ekranų pora Bangos Matsushimoje „Freer“ galerijoje Vašingtone, D.C. Po šimtmečio Kōrinas perdarė Sōtatsu stilių ir sukūrė vizualiai puošnius kūrinius, unikalius jo paties. Galbūt jo geriausi yra ekrano paveikslai Raudonos ir baltos slyvų žiedai.

Skulptūra: Budistų vienuolis Enkū šiurkščiu, individualiu stiliumi išdrožė 120 000 budistinių atvaizdų.

Ukiyo-e ir nanga (bunjinga): Vakaruose geriausiai žinoma meno mokykla-tai ukiyo-e paveikslai ir demimondo medžio drožlių atspaudai, kabuki teatro pasaulis ir pramogų rajonai. „Ukiyo-e“ spaudiniai pradėti gaminti XVII amžiaus pabaigoje, 1765 m. „Harunobu“ pagamino pirmąjį polichrominį atspaudą. Naujos kartos spaudos dizaineriai, įskaitant Torii Kiyonaga ir Utamaro, sukūrė elegantiškus ir kartais įžvalgius kurtizanų vaizdus.

XIX amžiuje dominuojančios figūros buvo Hokusai ir Hiroshige, pastaroji - romantiškų ir šiek tiek sentimentalių kraštovaizdžio atspaudų kūrėja. Keisti kampai ir formos, per kuriuos Hiroshige dažnai žiūrėjo į kraštovaizdį, ir Kiyonaga bei Utamaro darbai, akcentuojantys plokščias plokštumas ir tvirtus linijinius kontūrus, padarė didelę įtaką tokiems Vakarų menininkams kaip Edgaras Degas ir Vincentas van Goghas. Per Vakarų muziejuose saugomus meno kūrinius tie patys grafikos kūrėjai vėliau padarė didelę įtaką ankstyvųjų modernistų poetų, tokių kaip Ezra Pound, Richardas Aldingtonas ir H. D., naudojamiems vaizdams ir estetiniam požiūriui. [21]

Šiuolaikinė tapybos mokykla su ukiyo-e buvo nanga, arba bunjinga, stilius, pagrįstas kinų mokslininkų tapytojų paveikslais. Kaip „ukiyo-e“ menininkai pasirinko vaizduoti figūras iš gyvenimo, esančio už Tokugavos šogunato apribojimų, bunjin menininkai kreipėsi į kinų kultūrą. Šio stiliaus pavyzdžiai yra Ike no Taiga, Yosa Buson, Tanomura Chikuden ir Yamamoto Baiitsu (ja: 山 本 梅 逸).

Traditional, mostly stoneware, styles continued in many parts of Japan, but Japanese ceramics were transformed around the start of the Edo period, by a large influx of Korean potters, captured or persuaded to emigrate in the course of the Japanese invasions of Korea in the 1590s. Many of these were settled on the southern island of Kyushu, and they brought with them experience of versions of the Chinese-style chambered climbing kiln, called noborigama in Japan, which allowed high temperatures with more precise control. By around 1620 they had discovered deposits of kaolinite, and started to make porcelain for the first time in Japan. The early wares (called "Early Imari") were relatively small and imitated the Chinese underglaze blue and white porcelain, which Japan had been importing for some time. [22]

The porcelain industry greatly expanded in the late 1650s, as the collapse of the Chinese industry from civil war led to very large orders from the Chinese traders and the Dutch East India Company, by then the traders only permitted to do business in Japan. The first great period of Japanese export porcelain lasted until about the 1740s, and the great bulk of Japanese porcelain was made for export, mostly to Europe, but also the Islamic world to the west and south of Japan. [23]

Ko-Kutani (old Kutani) five colours Iroe type sake ewer with bird and flower design in overglaze enamel, Edo period, 17th century

With the development of economy and culture, the artistic quality of lacquered furniture has improved. Hon'ami Kōetsu and Ogata Kōrin brought the designs of the Rinpa school of painting into lacquerware. After the middle of the Edo period, inrō for portable medicine containers began to be decorated gorgeously with maki-e and raden, and it became popular among samurai class and wealthy merchants in the chōnin class, and at the end of the Edo period, it changed from practical accessories to art collections. [24] [25] The export of lacquerware continued following the Azuchi-Momoyama period. Marie Antoinette and Maria Theresa are known as collectors of Japanese lacquerware in this period. [2]

Inro ir Netsuke, 18th century

Art of the Prewar period Edit

When the Emperor of Japan regained ruling power in 1868, Japan was once again invaded by new and alien forms of culture. During the Prewar period, The introduction of Western cultural values led to a dichotomy in Japanese art, as well as in nearly every other aspect of culture, between traditional values and attempts to duplicate and assimilate a variety of clashing new ideas. This split remained evident in the late 20th century, although much synthesis had by then already occurred, and created an international cultural atmosphere and stimulated contemporary Japanese arts toward ever more innovative forms.

The government took an active interest in the art export market, promoting Japanese arts at a succession of world's fairs, beginning with the 1873 Vienna World's Fair. [26] [27] As well as heavily funding the fairs, the government took an active role organising how Japan's culture was presented to the world. It created a semi-public company — the Kiritsu Kosho Kaisha (First Industrial Manufacturing Company) — to promote and commercialize exports of art [28] and established the Hakurankai Jimukyoku (Exhibition Bureau) to maintain quality standards. [27] For the 1876 Centennial International Exhibition in Philadelphia, the Japanese government created a Centennial Office and sent a special envoy to secure space for the 30,000 items that would be displayed. [29] The Imperial Household also took an active interest in arts and crafts, commissioning works ("presentation wares") as gifts for foreign dignitaries. [30] In 1890, the Teishitsu Gigeiin (Artist to the Imperial Household) system was created to recognise distinguished artists seventy were appointed from 1890 to 1944. [31] Among these were the painter and lacquer artist Shibata Zeshin, ceramicist Makuzu Kōzan, painter Hashimoto Gahō, and cloisonné enamel artist Namikawa Yasuyuki. [31]

As Western imports became popular, demand for Japanese art declined within Japan itself. [32] In Europe and America, the new availability of Japanese art led to a fascination for Japanese culture a craze known in Europe as Japonisme. [33] Imperial patronage, government sponsorship, promotion to new audiences, and Western technology combined to foster an era of Japanese artistic innovation. In the decorative arts, Japanese artists reached new levels of technical sophistication. [28]

Today, Masayuki Murata owns more than 10,000 Meiji art works and is one of the most enthusiastic collectors. From that time, most of the excellent works of Meiji Art were bought by foreign collectors and only a few of them remained in Japan, but because he bought back many works from foreign countries and opened the Kiyomizu Sannenzaka Museum, [34] the study and reevaluation of Meiji Art rapidly advanced in Japan after the 21st century. [35] Nasser Khalili is also one of the world's most dedicated collectors of Meiji art, and his collection encompasses many categories of Meiji art. The Japanese Imperial Family also owns excellent works of Meiji Art, some of which were donated to the state and are now stored in the Museum of the Imperial Collections.

Architecture and Garden Edit

By the early 20th century, European art forms were well introduced and their marriage produced notable buildings like the Tokyo Train Station and the National Diet Building that still exist today. Tokyo Station, a building of Giyōfū architecture, full of bricks and pseudo-European style. This style of building was built in urban areas.

Many artistic new Japanese gardens were built by Jihei Ogawa.

Painting Edit

The first response of the Japanese to Western art forms was open-hearted acceptance, and in 1876 the Technological Art School(ja:工部美術学校) was opened, employing Italian instructors to teach Western methods. The second response was a pendulum swing in the opposite direction spearheaded by Okakura Kakuzō and the American Ernest Fenollosa, who encouraged Japanese artists to retain traditional themes and techniques while creating works more in keeping with contemporary taste. This was a strategy that eventually served to extend the influence of Japanese art as far as Calcutta, London, and Boston in the years leading up to World War I. [36] Out of these two poles of artistic theory—derived from Europe and from East Asia respectively—developed yōga ("Western-style painting") and Nihonga ("Japanese painting"), categories that have maintained currency.

Enamels Edit

During the Meiji era, Japanese cloisonné enamel reached a technical peak, producing items more advanced than any that had existed before. [37] The period from 1890 to 1910 was known as the "Golden age" of Japanese enamels. [38] Artists experimented with pastes and with the firing process to produce ever larger blocks of enamel, with less need for klounai (enclosing metal strips). [37] Thus enamels became a more pictorial medium, with designs similar to, or copied from, traditional paintings. [39] Enamels with a design unique to Japan, in which flowers, birds and insects were used as themes, became popular. In particular, the works of Namikawa Yasuyuki and Namikawa Sōsuke were exhibited at world's fairs and won many awards. [40] [41] [42] [43] Along with the two Namikawa, the Ando Cloisonné Company has produced many high-quality cloisonne. Japanese enamels were regarded as unequalled thanks to the new achievements in design and colouring. [44]

Lacquerware Edit

The Meiji era saw a renewed interest in lacquer as artists developed new designs and experimented with new textures and finishes. [45] Maki-e (decorating the lacquer in gold or silver dust) was the most common technique for quality lacquerware in this period. [46] Shibata Zeshin was a lacquerer who gained a high reputation for his works from the Bakumatsu to the Meiji period. Lacquerware called Shibayama ir Somada, created in the Edo period, became popular for its showy style, inlaid with gold, silver, shellfish, ivory, and colorful metal and glass, and reached its peak during this period. [47] Lacquer from Japanese workshops was recognised as technically superior to what could be produced anywhere else in the world. [48]

Metalwork Edit

At the start of the Meiji era, Japanese metalwork was almost totally unknown outside the country, unlike lacquer and porcelain which had previously been exported. [49] Metalwork was connected to Buddhist practice, for example in the use of bronze for temple bells and incense cauldrons, so there were fewer opportunities for metalworkers once Buddhism was displaced as the state religion. [49] International exhibitions brought Japanese cast bronze to a new foreign audience, attracting strong praise. [49] The past history of samurai weaponry equipped Japanese metalworkers to create metallic finishes in a wide range of colours. By combining and finishing copper, silver and gold in different proportions, they created specialised alloys including shakudō and shibuichi. With this variety of alloys and finishes, an artist could give the impression of full-colour decoration. [50]

Ivory carving Edit

In the Meiji period, Japanese clothes began to be westernized and the number of people who wore kimono decreased, so the craftsmen who made netsuke ir kiseru with ivory and wood lost their demand. Therefore, they tried to create a new field, ivory sculptures for interior decoration, and many elaborate works were exported to foreign countries or purchased by the Imperial Family. In particular, the works of Ishikawa Komei and Asahi Gyokuzan won praise in Japan. [51]

Porcelain and Earthenware Edit

Technical and artistic innovations of the Meiji era turned porcelain into one of the most internationally successful Japanese decorative art forms. [52] Satsuma ware was a name originally given to pottery from Satsuma province, elaborately decorated with gilt and enamel. These wares were highly praised in the West. Seen in the West as distinctively Japanese, this style actually owed a lot to imported pigments and Western influences, and had been created with export in mind. [53] Workshops in many cities raced to produce this style to satisfy demand from Europe and America, often producing quickly and cheaply. So the term "Satsuma ware" came to be associated not with a place of origin but with lower-quality ware created purely for export. [54] Despite this, artists such as Yabu Meizan and Makuzu Kōzan maintained the highest artistic standards while also successfully exporting. [55] From 1876 to 1913, Kōzan won prizes at 51 exhibitions, including the World's fair and the National Industrial Exhibition. [56]

Textiles Edit

The 1902 edition of Britanijos enciklopedija wrote, "In no branch of applied art does the decorative genius of Japan show more attractive results than that of textile fabrics, and in none has there been more conspicuous progress during recent years." [57] Very large, colourful pictorial works were being produced in Kyoto. Embroidery had become an art form in its own right, adopting a range of pictorial techniques such as chiaroscuro and aerial perspective. [57]

Art of the Postwar period Edit

Immediately following Japan's defeat in World War II in 1945, large numbers of Japanese artists fell under the influence of, or even joined, the Japan Communist Party, which had just been legalized by the U.S.-led military occupation of Japan after many years of suppression by the prewar and wartime Japanese police. [58] This had to do with the success of the Communist Party had in peddling the notion in the early postwar years that the party had been the only group in Japan to have resisted wartime militarism. [59] In addition, the Japanese word for "vanguard" (前衛, zen'ei), as in "vanguard of the communist revolution," happens to be the same word used for "avant-garde" as in the artistic avant-garde. [60] The Japan Communist Party soon came to dominate the major art societies and exhibitions in Japan, and thus the predominant form of art in the immediate aftermath of the war was socialist realism that depicted the suffering of the poor and the nobility of the working class, in line with Communist Party doctrine that all art should serve the purpose of advancing the cause of revolution. [59] In 1952, the Communist Party even ordered artists such as Hiroshi Katsuragawa and other members of the newly formed Avant-Garde Art Association (前衛美術会, Zen'ei Bijutsukai) out into the mountains to produce socialist realist art in support of "mountain guerrilla squads" that were attempting to foment a violent revolution in Japan. [61]

The 1950s: Struggling to break free of socialist realism Edit

Over the course of the 1950s, many Japanese artists became increasingly disillusioned with the rigid and limited definition of "art" enforced by the Communist Party. [62] However, due to the ongoing preeminence of Communist Party members and supporters in the senior ranks of artistic societies and exhibition juries, artists found it extremely difficult to even show their art unless they conformed to the Party's guidelines. [63] Some artists shied away from formal public exhibitions. Others sought recognition, financial support, and opportunities to show their art overseas, such as the Gutai group of conceptual artists, founded in 1954. Still other artists made use of the few unjuried, "independent" exhibitions in Japan, such as the Yomiuri Independent Exhibition sponsored by the Yomiuri Shinbun, which anyone could enter. [64]

A final straw came with the massive 1960 Anpo Protests against the U.S.-Japan Security Treaty (known as "Anpo" in Japanese"), due to the extremely passive role played by the supposedly "vanguard" Communist Party. When the protests failed to stop the treaty, a round of recriminations led to further disillusionment with the Communist Party and socialist realist art, causing many more artists to break away from the Party's influence. [65]

The 1960s: An explosion of new genres Edit

With the dominance of socialist realism fading, the 1960s witnessed an explosion of new art forms in Japan, as the arts expanded in new directions that might best be termed "postmodern." [66] Artist collectives such as Neo-Dada Organizers, Zero Dimension, and Hi-Red Center explored concepts such as "non-art" and "anti-art," and conducted a variety of audacious "events," "happenings," and other forms of performance art designed to erode the boundaries between art and daily life. The Mono-ha group similarly pushed the boundaries dividing art, space, landscape, and the environment. Other artists, such as graphic designer Tadanori Yokoo, drew inspiration from 1960s counterculture and the explosion of new forms of adult-oriented manga comics. In the performing arts, Tatsumi Hijikata pioneered a new form of postmodern dance called Butoh, and playwrights such as Jūrō Kara and Satō Makoto created the Angura style of radical "underground" theater. [67] And in photography, photographers such as Daidō Moriyama pioneered an extremely influential new school of postwar photography that emphasized spontaneity over carefully staged composition and celebrated the characteristics "are, bure, bokeh" (literally "rough, blurred, out-of-focus"). [68] [69]

The proliferation of new types of art was supported by the tremendous growth of Japan's economy in the 1960s, remembered as the "Japanese economic miracle." Over the course of the 1960s, the Japanese economy grew by over 10% per year. Rising wealth created a new class of consumers who could afford to spend money on art and support different types of art and artists. For the first time in Japan's modern history, it became viable for significant numbers of artists to make a living purely through selling their art. The 1960s construction boom in Japan, which leveled the old wood-and-paper traditional Japanese architecture and replaced it with sparkling mega-cities of glass and steel, helped inspire brand new schools of Japanese architecture, such as the Metabolism (architecture) movement led by Kenzō Tange, that boldly broke free from conventional models and proved influential around the world.

At the same time, however, the art world remained dominated by cliques that promoted the works of certain (usually male) artists over others. As it became much easier for Japanese to travel overseas in the 1960s, some female artists such as Yayoi Kusama and Yoko Ono found better reception overseas, and decamped for artistic centers such as London, Paris, and New York, as did many male artists as well.

The triumph of the new forms of Japanese art was cemented at the 1970 Osaka World's Fair, where dozens of avant-garde and conceptual artists were hired to design pavilions and artistic experiences for fair-goers. [70] Japanese avant-garde art had gone global, and had become something even the conservative government was proud to display to the world.

The 1970s and 1980s: Riding the economic bubble Edit

The 1970s and 1980s saw Japanese art continue in many of the directions begun in the 1950s and 1960s, but often with much bigger budgets and more expensive materials. As Japan's economy kept rapidly expanding, and eventually grew into one of the largest economic bubbles in history. With Japanese currency becoming incredibly strong in the wake of the 1985 Plaza Accord, Japanese individuals and institutions became major players in the international art market. Extraordinarily wealthy Japanese mega-corporations began constructing their own private art museums and acquiring collections of modern and contemporary art, and Japanese artists greatly benefited from these expenditures as well.

In particular, artistic production continued to trend away from traditional painting and sculpture in the direction of graphic design, pop art, wearable art, performance art, conceptual art, and installation art. Various types of "hybrid" art increasingly came into vogue. As technology advanced, artists increasingly incorporated electronics, video, computers, synthesized music and sounds, and video games into their art. The aesthetics of manga and anime, which so many younger artists had grown up immersed in, exerted an increasing if sometimes quite subtle influence. Above all, artists eschewed anything redolent of "high art" or "fine art" in favor of the personal, the eclectic, the fantastic or phantasmagoric, and the playful. In edition, female artists such as Mika Yoshizawa became more and more accepted and supported by the art world in Japan.

Contemporary art in Japan Edit

Japanese contemporary art takes as many forms and expresses as many different ideas as worldwide contemporary art in general. It ranges from advertisements, anime, video games, and architecture as already mentioned, to sculpture, painting, and drawing in all their myriad forms. Japanese artists have made especially notable contributions to global contemporary art in the fields of architecture, video games, graphic design, fashion, and perhaps above all, animation. While anime at first were derived primarily from manga stories, [ reikalinga citata ] diverse anime abounds today, and many artists and studios have risen to great fame as artists Hayao Miyazaki and the artists and animators of Studio Ghibli are generally regarded to be among the best the anime world has to offer.

At the same time, many Japanese artists continue to use traditional Japanese artistic techniques and materials inherited from premodern times, such as traditional forms of Japanese paper and ceramics and painting with black and color ink on paper or silk. Some of these artworks depict traditional subject matters in traditional styles, while others explore new and different motifs and styles, or create hybrids of traditional and contemporary art forms, while using traditional media or materials. Still others eschew native media and styles, embracing Western oil paints or any number of other forms.

In sculpture, the same holds true some artists stick to the traditional modes, some doing it with a modern flair, and some choose Western or brand new modes, styles, and media. Yo Akiyama is just one of many modern Japanese sculptors. He works primarily in clay pottery and ceramics, creating works that are very simple and straightforward, looking like they were created out of the earth itself. Another sculptor, using iron and other modern materials, built a large modern art sculpture in the Israeli port city of Haifa, called Hanabi (Fireworks). Nahoko Kojima is a contemporary Kirie artist who has pioneered the technique of Paper Cut Sculpture which hangs in 3D.

Takashi Murakami is arguably one of the most well-known Japanese modern artists in the Western world. Murakami and the other artists in his studio create pieces in a style, inspired by anime, which he has dubbed "superflat". His pieces take a multitude of forms, from painting to sculpture, some truly massive in size. But most if not all show very clearly this anime influence, utilizing bright colors and simplified details.

Yayoi Kusama, Yoshitomo Nara, Hiroshi Sugimoto, Chiharu Shiota, Daidō Moriyama, Mariko Mori, Aya Takano, and Tabaimo are considered significant artists in the field of contemporary Japanese art. [71] The Group 1965, an artists' collective, counts contemporary artist Makoto Aida among its members. [72]

Many traditional forms of Japanese music, dance, and theater have survived in the contemporary world, enjoying some popularity through reidentification with Japanese cultural values. Traditional music and dance, which trace their origins to ancient religious use—Buddhist, Shintō, and folk—have been preserved in the dramatic performances of Noh, Kabuki, and bunraku theater. Ancient court music and dance forms deriving from continental sources were preserved through Imperial household musicians and temple and shrine troupes. Some of the oldest musical instruments in the world have been in continuous use in Japan from the Jōmon period, as shown by finds of stone and clay flutes and zithers having between two and four strings, to which Yayoi period metal bells and gongs were added to create early musical ensembles. By the early historical period (6th to 7th centuries), there were a variety of large and small drums, gongs, chimes, flutes, and stringed instruments, such as the imported mandolin-like biwa and the flat six-stringed zither, which evolved into the thirteen-stringed koto. These instruments formed the orchestras for the 7th-century continentally derived ceremonial court music (gagaku), which, together with the accompanying bugaku (a type of court dance), are the most ancient of such forms still performed at the Imperial court, ancient temples, and shrines. Buddhism introduced the rhythmic chants, still used, that underpin Shigin, and that were joined with native ideas to underlay the development of vocal music, such as in Noh.

Japanese art is characterized by unique polarities. In the ceramics of the prehistoric periods, for example, exuberance was followed by disciplined and refined artistry. Another instance is provided by two 16th-century structures that are poles apart: the Katsura Detached Palace is an exercise in simplicity, with an emphasis on natural materials, rough and untrimmed, and an affinity for beauty achieved by accident Nikkō Tōshō-gū is a rigidly symmetrical structure replete with brightly colored relief carvings covering every visible surface. Japanese art, valued not only for its simplicity but also for its colorful exuberance, has considerably influenced 19th-century Western painting and 20th-century Western architecture.

Japan's aesthetic conceptions, deriving from diverse cultural traditions, have been formative in the production of unique art forms. Over the centuries, a wide range of artistic motifs developed and were refined, becoming imbued with symbolic significance. Like a pearl, they acquired many layers of meaning and a high luster. Japanese aesthetics provide a key to understanding artistic works perceivably different from those coming from Western traditions.

Within the East Asian artistic tradition, China has been the acknowledged teacher and Japan the devoted student. Nevertheless, several Japanese arts developed their own style, which can be differentiated from various Chinese arts. The monumental, symmetrically balanced, rational approach of Chinese art forms became miniaturized, irregular, and subtly suggestive in Japanese hands. Miniature rock gardens, diminutive plants (bonsai), ir ikebana (flower arrangements), in which the selected few represented a garden, were the favorite pursuits of refined aristocrats for a millennium, and they have remained a part of contemporary cultural life.

The diagonal, reflecting a natural flow, rather than the fixed triangle, became the favored structural device, whether in painting, architectural or garden design, dance steps, or musical notations. Odd numbers replace even numbers in the regularity of a Chinese master pattern, and a pull to one side allows a motif to turn the corner of a three-dimensional object, thus giving continuity and motion that is lacking in a static frontal design. Japanese painters used the devices of the cutoff, close-up, and fade-out by the 12th century in yamato-e, or Japanese-style, scroll painting, perhaps one reason why modern filmmaking has been such a natural and successful art form in Japan. Suggestion is used rather than direct statement oblique poetic hints and allusive and inconclusive melodies and thoughts have proved frustrating to the Westerner trying to penetrate the meanings of literature, music, painting, and even everyday language.

The Japanese began defining such aesthetic ideas in a number of evocative phrases by at least the 10th or 11th century. The courtly refinements of the aristocratic Heian period evolved into the elegant simplicity seen as the essence of good taste in the understated art that is called shibui. Two terms originating from Zen Buddhist meditative practices describe degrees of tranquility: one, the repose found in humble melancholy (wabi), the other, the serenity accompanying the enjoyment of subdued beauty (sabi). Zen thought also contributed a penchant for combining the unexpected or startling, used to jolt one's consciousness toward the goal of enlightenment. In art, this approach was expressed in combinations of such unlikely materials as lead inlaid in lacquer and in clashing poetic imagery. Unexpectedly humorous and sometimes grotesque images and motifs also stem from the Zen kōan (conundrum). Although the arts have been mainly secular since the Edo period, traditional aesthetics and training methods, stemming generally from religious sources, continue to underlie artistic productions.

Modern concepts Edit

Today, Japan has developed a more modern cultural aesthetic often associated with Shojo manga known as "kawaii," which can otherwise be described as "cute". Typically represented through cartoons and animation, kawaii has had a powerful cultural impact and is also a powerful agent for Japanese advertisement and consumption. [73] The concept of "cuteness" that is currently displayed in kawaii has traditionally been revered in Japanese culture spanning back to the Edo period of art in the 15th century. [74]

Kawaii fashion found in Tokyo, Japan

Osaka Kawaii à Japan Expo 2014.

Traditional aesthetics Edit

Traditional Japanese Aesthetics are forms of beauty in Japanese culture that derive from the earliest centuries. At least over two-hundred years ago. Some of these early aesthetics make up the Japanese Aesthetic as a whole: Syncretic Buddhist Art, Wabi-Sabi, Miyabi, Shibui, and Jo-ha-Kyu.

Syncretic Buddhist art Edit

Wabi-Sabi Edit

This aesthetic in Japanese culture is known for many things such as beauty in all things, even those that are imperfect. Modesty and unconventional things are what are seen as the wabi-sabi aesthetic. Wabi and sabi both make up the aesthetic of beauty in incompleteness together. When separated, both serve as differing terms. Wabi stands for fresh, simple work, denoting all complication and having a very rustic feel to all it relates too. Being made from nature and made from man itself in a tandem. If made by accident, it brings about a certain uniqueness to the work. Sabi is beauty and how it originates from age. The cycle of life plays a great role in sabi, adding to the aesthetic that sense of beauty in works that receive mending damage from aging over time. When bringing wabi and sabi together, it creates the aesthetic that every simple piece developed does not require a complicated design. Nor does it require absolute completeness for beauty to be found in it, and with age comes more delicate beauty.

Wabi-sabi has always been related to tea ceremonies in Japanese culture. It is said that these ceremonies are profound wabi-sabi events. Wabi-sabi is also related to activities such as architecture, fashion, and philosophy. All of these portions of wabi-sabi all share belief in the same theme: all imperfections such as incomplete work holds undeniable beauty. However, not everyone, of course, favors the idea behind wabi-sabi. While this is true, there are many who wish to keep the belief alive despite what others believe. Overall, wabi-sabi seems to be a very mindful approach to everyday life. A calm way to see things, and a way to live without coming off as judgmental. When understanding wabi-sabi, there are terms that strongly relate to the aesthetic as well.

Fukinsei: asymmetry, irregularity. Kanso: simplicity. Koko: basic, weathered. Shizen: without pretense, natural. Yugen: subtly profound grace, not obvious. Datsuzoku: unbounded by convention, free. Seijaku: tranquility, silence.

Each of these terms are used to break down the complete understanding of wabi-sabi. It more so relates to the philosophy aspect of the entire aesthetic and how to view one's surroundings. These can allude to several things including the ideas in humans, the themes behind certain aspects of life, or nature itself. Each term leads back to the point that wabi-sabi is an aesthetic that is about appreciating the small things that are imperfect and or incomplete.

Miyabi Edit

In the ongoing history of Japan, miyabi can stand for many things. However, it seems to be centered around the concept of elegance, beauty, refinement, and courtliness. For this, it is one of the older aesthetics among most of the Japanese aesthetics in the culture. That would explain why it is not as popular as the rest which may be newer compared to miyabi. It is a term that is also used to express aristocratic culture. Miyabi eliminates all forms of rudeness and crudity from the culture. This brings about the proper picture and form of aristocratic culture. Miyabi brings about these changes. Miyabi ensures that refinement of love, literature, feeling, and art is celebrated within the Japanese culture. Refinement is welcomed.

Shibui Edit

Shibui is coming to understand an object or an art piece for what it is. Locating simple and subtle beauty in certain things is a goal when it comes to designing or reviewing certain designs. In many ways, shibui is very similar to wabi-sabi but is not wabi-sabi. Shibui appreciates items and objects for simply being. There is no complication or irrational thinking when it comes down to shibui. Akin to certain aesthetics in the Japanese culture, there are a couple of terms in relation to Shibui: shibumi is the taste of shibui Shibusa is the state of shibui.

Both these terms relate to subtle, unobtrusive beauty. There are several items and objects that can be considered a part of the shibui aesthetic, not just art or fashion. It can also be people, animals, songs, movies, several different types of media can be seen as shibui. For example, a pair of shoes, a camera, a moped bike, and several different pieces of art or objects used for everyday activity can be seen as shibui. Direct and simple is the way of shibui. Nothing over the top or too flashy.

Jo-ha-kyu Edit

This is an aesthetic that originated from the Noh Theatre and even appeared in the 14th century. It is used in different art forms in Japan even still today. It is a movement that has been applied in several different arts with jo, ha, and kyu standing for individual things to make up its definition: jo, 'beginning' ha, 'break', 'crack' kyu: 'rapid', 'over'

Essentially, what this aesthetic means is that when it comes down to pieces that deal with movement, things should start slowly with proper build-up. Almost akin to how a story is told. Then once it reaches its climax, it speeds up. When it reaches its end, then that is when things begin to rapidly speed up until all of a sudden it has reached an ending.

Traditionally, the artist was a vehicle for expression and was personally reticent, in keeping with the role of an artisan or entertainer of low social status. The calligrapher, a member of the Confucian literati class, or samurai class in Japan, had a higher status, while artists of great genius were often recognized in the Kamakura period by receiving a name from a feudal lord and thus rising socially. The performing arts, however, were generally held in less esteem, and the purported immorality of actresses of the early Kabuki theater caused the Tokugawa government to bar women from the stage female roles in Kabuki and Noh thereafter were played by men.

After the World War II, artists typically gathered in arts associations, some of which were long-established professional societies while others reflected the latest arts movement. The Japan Artists League, for example, was responsible for the largest number of major exhibitions, including the prestigious annual Nitten (Japan Art Exhibition). The PEN Club of Japan (PEN stands for prose, essay, and narrative), a branch of an international writers' organization, was the largest of some thirty major authors' associations. Actors, dancers, musicians, and other performing artists boasted their own societies, including the Kabuki Society, organized in 1987 to maintain this art's traditional high standards, which were thought to be endangered by modern innovation. By the 1980s, however, avant-garde painters and sculptors had eschewed all groups and were "unattached" artists.

Art schools Edit

There are a number of specialized universities for the arts in Japan, led by the national universities. The most important is the Tokyo Arts University, one of the most difficult of all national universities to enter. Another seminal center is Tama Art University, which produced many of Japan's late 20th-century innovative young artists. Traditional training in the arts, derived from Chinese traditional methods, remains experts teach from their homes or head schools working within a master-pupil relationship. A pupil does not experiment with a personal style until achieving the highest level of training, or graduating from an arts school, or becoming head of a school. Many young artists have criticized this system as stifling creativity and individuality. A new generation of the avant-garde has broken with this tradition, often receiving its training in the West. In the traditional arts, however, the master-pupil system preserves the secrets and skills of the past. Some master-pupil lineages can be traced to the Kamakura period, from which they continue to use a great master's style or theme. Japanese artists consider technical virtuosity as the sine qua non of their professions, a fact recognized by the rest of the world as one of the hallmarks of Japanese art.

The national government has actively supported the arts through the Agency for Cultural Affairs, set up in 1968 as a special body of the Ministry of Education. The agency's budget for FY 1989 rose to ¥37.8 billion after five years of budget cuts, but still represented much less than 1 percent of the general budget. The agency's Cultural Affairs Division disseminated information about the arts within Japan and internationally, and the Cultural Properties Protection Division (文化財保護部, now 文化財部) protected the nation's cultural heritage. The Cultural Affairs Division is concerned with such areas as art and culture promotion, arts copyrights, and improvements in the national language. It also supports both national and local arts and cultural festivals, and it funds traveling cultural events in music, theater, dance, art exhibitions, and filmmaking. Special prizes are offered to encourage young artists and established practitioners, and some grants are given each year to enable them to train abroad. The agency funds national museums of modern art in Kyoto and Tokyo and The National Museum of Western Art in Tokyo, which exhibit both Japanese and international shows. The agency also supports the Japan Art Academy, which honors eminent persons of arts and letters, appointing them to membership and offering ¥3.5 million in prize money. Awards are made in the presence of the Emperor, who personally bestows the highest accolade, the Order of Culture. Tokyo University of the Arts also taking active roles on several art events in previous years. Their other campuses are also involving varied courses.

Private sponsorship and foundations Edit

Arts patronage and promotion by the government are broadened to include a new cooperative effort with corporate Japan to provide funding beyond the tight budget of the Agency for Cultural Affairs. Many other public and private institutions participate, especially in the burgeoning field of awarding arts prizes. A growing number of large corporations join major newspapers in sponsoring exhibitions and performances and in giving yearly prizes. The most important of the many literary awards given are the venerable Naoki Prize and the Akutagawa Prize, the latter being the equivalent of the Pulitzer Prize in the United States.

In 1989 an effort to promote cross-cultural exchange led to the establishment of a Japanese "Nobel Prize" for the arts, the Premium Imperiale, by the Japan Art Association. This prize of US$100,000 was funded largely by the mass media conglomerate Fujisankei Communications Group and was awarded on a worldwide selection basis.

A number of foundations promoting the arts arose in the 1980s, including the Cultural Properties Foundation set up to preserve historic sites overseas, especially along the Silk Road in Inner Asia and at Dunhuang in China. Another international arrangement was made in 1988 with the United States Smithsonian Institution for cooperative exchange of high-technology studies of Asian artifacts. The government plays a major role by funding the Japan Foundation, which provides both institutional and individual grants, effects scholarly exchanges, awards annual prizes, supported publications and exhibitions, and sends traditional Japanese arts groups to perform abroad. The Arts Festival held for two months each fall for all the performing arts is sponsored by the Agency for Cultural Affairs. Major cities also provides substantial support for the arts a growing number of cities in the 1980s had built large centers for the performing arts and, stimulated by government funding, were offering prizes such as the Lafcadio Hearn Prize initiated by the city of Matsue. A number of new municipal museums were also providing about one-third more facilities in the 1980s than were previously available. In the late 1980s, Tokyo added more than twenty new cultural halls, notably, the large Bunkamura built by Tokyu Group and the reconstruction of Shakespeare's Globe Theatre. All these efforts reflect a rising popular enthusiasm for the arts. Japanese art buyers swept the Western art markets in the late 1980s, paying record highs for impressionist paintings and US$51.7 million alone for one blue period Picasso.


Žiūrėti video įrašą: The Heian Period, an Age of Art..Ending in a Shogunate. History of Japan 34


Komentarai:

  1. Jephtah

    Congratulations, this great thought will come in handy.

  2. Taulmaran

    Tai tikrai nuostabu.

  3. Shakacage

    Šis pranešimas yra tiesiog nepalyginamas)

  4. Kinsella

    Atsiprašau, kad pertraukiau jus.

  5. Weylyn

    Kokia žavinga tema

  6. Aheawan

    Do not judge offtopic. But my Rss does not pick up your feed, I already and so and so, writes that the forbidden command. I have to visit you personally every day, just like I go to work. True, I have already read all of the new in a week. Themes you have are such that they take for the soul, and for the wallet too - and I want to do that, and use it. Pasimatysim penktadienį.



Parašykite pranešimą